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Fünf große Künstler der Renaissance

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Die 5 wichtigsten literarischen Werke der Renaissance

Die Literarische Werke der Renaissance Sind Teil einer sehr fruchtbaren Zeit für den Westen. Die wichtigsten sind Weiler oder Utopie, unter anderem.

Unter Renaissance versteht man die Phase des Lernens, die in Italien begann und sich nach Norden einschließlich Englands bis zum 16. Jahrhundert erstreckte und Mitte des 17. Jahrhunderts endete.

Während dieser Zeit gab es ein großes und erneuertes Interesse und Studium der klassischen Antike. Diese Ära war jedoch mehr als eine "Wiedergeburt". Es war auch eine Ära neuer Entdeckungen, sowohl geographische (Erforschung der Neuen Welt, dh Amerika) als auch intellektuell.

Beide Arten von Entdeckungen führten zu Veränderungen von enormer Bedeutung für die westliche Zivilisation. In der Wissenschaft zum Beispiel versuchte Kopernikus (1473-1543) zu beweisen, dass die Sonne und nicht die Erde im Zentrum des Planetensystems stand, und veränderte damit die Vision des Kosmos, die Antike und Mittelalter beherrscht hatte, radikal.

In der Religion forderte Martin Luther (1483-1546) eine der wichtigsten Institutionen heraus, die Europa im Mittelalter vereint hatten: die katholische Kirche und schließlich verursachte sie die Spaltung. Tatsächlich hielten sich die Denker der Renaissance oft für Architekten der Moderne.

Darüber hinaus gab es in dieser Zeit einige wichtige politische Veränderungen. Einige der edelsten Ideale der Zeit wurden von der als Humanismus bekannten Bewegung ausgedrückt, die große Einblicke in die Schaffung literarischer Werke lieferte.

Die Denker der Renaissance neigten dazu, sich von Werken des Mittelalters zu distanzieren, einer historischen Periode, die sie als sehr negativ betrachteten. Ihnen zufolge hat sich das Mittelalter in der "Mitte" zweier viel wertvollerer historischer Prozesse angesiedelt: der Antike und der Renaissance.

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Fünf große Künstler der Renaissance - Geschichte

Historisch gesehen werden Künstler entweder für ihren einzigartigen Stil oder den Charakter, den sie in der Kunstwelt ausstrahlen, berühmt. Ab der Renaissance hat sich die Kunst verändert, sie hat den Wert der Kunst erhöht und ihr einen Respekt der Gesellschaft gebracht, der in der Vergangenheit nicht da war. Kunstmeister wurden überall bekannt, ihre Werke wurden zu Lebzeiten und darüber hinaus studiert. Nach der Renaissance fanden Innovationen und unterschiedliche Denkrichtungen statt und Künstler und ihre Werke unterschieden sich seitdem aus jeder Epoche. Für die besten Gemälde aller Zeiten, sehen Sie sich die berühmtesten Gemälde an.

Nachfolgend finden Sie Listen der berühmtesten Künstler aller Zeiten und ihrer Werke, beginnend mit der Renaissance-Bewegung:

Italienische Renaissance-Künstler

Künstler der Nördlichen Renaissance

Barocke Künstler

Künstler des 18. Jahrhunderts

Künstler des 19. Jahrhunderts

  • Alte Chelsea Bridge, London
  • Der Garten von Pontoise
  • Die Côte des Bœufs in L’Hermitage
  • Waschfrau, Arbeitszimmer
  • Gespräch
  • Die Ernte
  • Die Bootsparty
  • Tee
  • Sommer
  • Das Kinderbad
  • Unter dem Rosskastanienbaum
  • Kinder am Strand
  • Jules wird von seiner Mutter getrocknet
  • Mutter und Kind
  • Junge Frau in Grün, draußen in der Sonne

Künstler des 20. Jahrhunderts


2. Michelangelo

Michaelangelos David-Statue in Florenz, Italien.

Geboren am 6. März 1475, gestorben am 18. Februar 1564 (Alter 88)

Einer von da Vincis Zeitgenossen und vielleicht sein Herausforderer um den Titel des größten Renaissance-Künstlers war Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. 13 Jahre nach da Vinci geboren, trat Michelangelo in seine Fußstapfen als Renaissance-Mann. Er war ein versierter Künstler, Dichter, Architekt und Ingenieur.

Michelangelos bekanntestes Werk ist wohl die Skulptur David, die in den Anfangsjahren des 16. Jahrhunderts fertiggestellt wurde. Die fast 15 Fuß David zeigt die biblische Davidfigur aus weißem Marmor aus dem Steinbruch von Miseglia. Andere berühmte Werke von Michelangelo sind die Statue Pietein und die Decke der Sixtinischen Kapelle im Vatikan.

3. Raphael

Geboren Frühjahr 1483, gestorben 6. April 1520 (Alter 37)

Neben da Vinci und Michelangelo, Raffaello Sanzio da Urbino, besser bekannt als einfach Raffael, ist als der dritte der großen Meisterkünstler der italienischen Renaissance bekannt. Er wurde 1483 geboren und seine Werke waren schon zu Lebzeiten äußerst einflussreich.

Während Raphael nur 37 Jahre alt wurde, schuf er dennoch eine Vielzahl von Werken, darunter Gemälde, Fresken, Drucke und mehr. Eines seiner bekanntesten Werke ist Die Schule von Athen, oben in diesem Artikel angezeigt. Es ist ein klassisches Beispiel für die Kunst und Kultur der Renaissance im Allgemeinen, da sich die Kultur der Zeit häufig auf die römische und griechische Antike bezieht.


Die Heilige Geschichte: Die treibende Kraft der Renaissance-Kunst

Die plötzliche Expansion des Handels, des Bankwesens und der Textilindustrie in den späten 1200er Jahren brachte einen Zustrom von Arbeiterklassen in die Städte des Italiens der Renaissance. Die römische Kirche, deren Darstellungen von Gott dazu bestimmt waren, die Gemeinde mit der Macht und Majestät des Herrn zu kontrollieren, war schlecht gerüstet, um mit der großen Zahl fertig zu werden, die sich am Rande der Städte niederließ. Dies rückte den reisenden Prediger in den Vordergrund . Prediger wie der hl. Franz von Assisi und der hl. Dominikus brachten eine andere Sichtweise auf das Leben Christi als die traditionelle Sichtweise, die in den von der Kirche in Auftrag gegebenen Kunstwerken dargestellt wird. Solche Männer waren „Darsteller“, die den Geschichten, die sie den Versammlungen erzählten, einen Hauch von Dramatik verliehen.

Um neue Städte unterzubringen, wurden neue Kirchen gebaut und mussten schnell mit Bildern eines Christus gefüllt werden, der ihre Seelen retten würde. Die langwierigen Arbeiten waren nicht mehr angemessen, und um den Dekorationsprozess zu beschleunigen, wandten sich die Künstler der Freskomalerei zu. Ein Paradebeispiel dafür ist Giottos Beweinung Christi von 1303-5.

Die Beweinung Christi Giotto di Bondone (1305)

In diesem Fresko in Padua offenbart Giotto die Trauer seiner Freunde und Familie über dieses schreckliche Ereignis. Christi schlaffer Körper wird von seiner Mutter umarmt, seine Hände und Füße werden sanft von den anderen heiligen Frauen gehalten. Die anderen Figuren lehnen sich in die Szene und es gibt einen deutlichen Kontrast zwischen ihrer kontrollierten Trauer und den weinenden Engeln über deren Bewegungen erregt sind. So fühlt sich Trauer an und sieht nach dem heiligen Franziskus so aus. Dies ist eine kraftvolle Ikonographie und wir können dies auch in der Skulptur sehen. Giotto hatte sich von den Reliefskulpturentafeln von Niccolo und Giovanni Pisano der Kreuzigung inspirieren lassen:

Niccolo und Giovanni Pisano, Kreuzigung

Der dünne Körper, die Rippen zu sehen und das Gesicht, das überall von Chaos verzerrt war: ein starkes Bild, das bei der Versammlung Anklang finden würde.

In seinem Buch „Renaissance“ kommentierte Andrew Graham-Dixon, dass „die Religion eine der großen treibenden Kräfte hinter der Kunst der Renaissance war“, und es ist klar, dass diese Veränderung teilweise auf den Einfluss dieser neuen Art von Predigern und den Zustrom zurückzuführen war von Künstlern, die bereit und in der Lage sind, die heilige Geschichte so darzustellen, dass sie bei der Gemeinde Anklang findet.

An diesem Punkt der Kunstgeschichte stand die Technik der Freskenmalerei auf ihrem Höhepunkt. Zwei der berühmtesten Fresken aus der Sixtinischen Kapelle, die Michelangelo gemalt hat, wurden gegen Ende seiner Zeit mit der Bemalung der Kapellendecke fertiggestellt und gehören zu den größten der Tafeln.

Hier sehen wir eine ganz andere Darstellung des menschlichen Körpers:

Die Erschaffung Adams: Michelangelo Buonarroti Sixtinische Kapelle 1508-1512

Der Fall und die Vertreibung von Adam und Eva: Michelangelo Buonarroti Sixtinische Kapelle 1508-1512


In Die Erschaffung Adams , ist die Komposition in zwei Hälften ausbalanciert, um die Geschichte direkt aus Genesis zu erzählen, während Die Versuchung und Vertreibung cover erzählt zwei Teile der Geschichte auf der Tafel. Die Positionierung der Schöpfung ist interessant, mit Gott an einer etwas höheren Position als Adam, der träge seine Hand hebt, um Gottes Macht und Macht zu empfangen. Die Blicke der beiden sind aufeinander gerichtet und es herrscht ein Gefühl von Autorität und Unterwerfung. Dies unterscheidet sich von Verlockung und Vertreibung wie hier zwei verschiedene Teile der Geschichte erzählt werden: Der zentrale Baum der Erkenntnis hat Luzifer als die Schlange, die Eva versucht, während Adam nach der Frucht greift. Die zweite Hälfte zeigt, wie das Paar aus Eden gezwungen wird. Während sich Gott und Adam im Schaffung , in diesem Panel scheint niemand Blickkontakt herzustellen.

Beide Gemälde haben Symmetrieelemente in der Positionierung, die Bedeutung hinzufügen und das Auge erfreuen. Adam und Gott haben eine konvexe/konkave Form. In ähnlicher Weise beugt sich Adam über Eva, um den Baum zu erreichen, und Evas Körper krümmt sich zu Adam. Auch während ihrer Vertreibung ist die gleiche Symmetrie vorhanden.

Daraus kann man ersehen, dass eines der auffälligsten Merkmale beider Tafeln die Darstellung der Figuren ist. Die Künstler der Renaissance blickten zurück auf die klassische griechische und römische Darstellung der menschlichen Form und die Bedeutung der Proportionen. Adam und Gott werden in beiden Tafeln klassisch definiert und Eva folgt in der Vertreibung .

Die Veränderungen in der Kunst während dieser Zeit waren nicht auf Südeuropa beschränkt. Im Norden beeinflusste der technische Fortschritt die produzierten Werke, insbesondere bei der Förderung der Ölfarbe.

Vor allem zwei Künstler machten sich die Lebendigkeit von Farben auf Ölbasis zu eigen, um der heiligen Geschichte neuen Schwung zu verleihen. Jan Van Eycks Genter Altarbild (1432) verwendet zwölf Tafeln, um die Geschichte zu erzählen, und die Liebe zum Detail von Kleidung, Landschaften und Gesichtern wird durch die Verwendung von Öl verstärkt. Dies ermöglichte es dem Künstler, in die Texte zu schauen, um Details lebendig zu machen und so das Wort Gottes unter die analphabetischen Massen zu bringen.

Genter Altarbild: Jan van Eyck 1432

Die Verwendung von Tempura- und Freskomalerei bedeutete die Geschwindigkeit, mit der die Farbe trocknete, die Künstler zwangen, jeweils an kleinen Abschnitten zu arbeiten. Da die Öle langsamer trocknen, konnten die Künstler verschiedene Techniken auf die Farbe anwenden, um unterschiedliche Effekte zu erzielen, einschließlich dreidimensionaler Modellierung, wodurch der Arbeit Tiefe verliehen wird. Diese Idee ist bei Roger van der Weydens Bewegung besonders bemerkenswert Abstieg vom Kreuz .

Kreuzabnahme: Roger van der Weyden, 1435 Museo del Prado, Madrid

Diese enge Komposition ist durchzogen von Primärfarben, dem Gold der Majestät Gottes, dem Blau der Jungfrau Maria, dem Rot der Gewänder Josephs von Arimathia. Wir können auch deutlich die Trauer in ihren Gesichtern sehen, aber am auffälligsten ist der Leib Christi selbst. Jede Rippe und Sehne ist definiert. Mit Ölfarben, die zum Aufbau von Texturen verwendet werden, können wir das Fleisch und die verschiedenen Materialien innerhalb der Komposition mit fast fotografischem Realismus sehen. Man muss sich nur genau die Tränen anschauen, die von den Schauspielern zu dieser Szene fließen, um die Wirksamkeit dieser Technik zu sehen.

In der Renaissance drehte sich alles um neue Kunst, neue Darstellung, neue Techniken, doch die älteste der Menschheit bekannte Geschichte fand immer noch Resonanz in der Kunstwelt und stellte sie vor neue Herausforderungen.


3. Gian Lorenzo Bernini (1598 - 1680)

Bernini [wiki] befreite die Skulptur von ihrer früheren Beschäftigung mit irdischer Schwerkraft und intellektueller Emotion und ließ sie eine neue Freiheit entdecken, die es ihr ermöglichte, sich zu bewegen, zu schweben und eine visionäre und theatralische Qualität zu haben. Als Wunderkind hatte Bernini eine funkelnde Persönlichkeit und einen brillanten Witz (er schrieb Komödien) - Eigenschaften, die durch seine Skulpturen leuchten. Er war auch technisch ein wahrer Visionär, der Marmor so schnitzen konnte, dass er sich bewegt oder die Feinheit feinster Spitze hat. In seiner besten Form vereint er Skulptur, Architektur und Malerei zu einem extravaganten Theaterensemble, insbesondere in seinen Brunnen, wo das Spiel von Wasser und Licht über seinen überlebensgroßen menschlichen Figuren und Tieren eine Vision kreiert, die buchstäblich nicht von dieser Welt ist .


Warum hasste Michelangelo Raphael so sehr? 5 wilde Fehden, die die Kunstgeschichte geprägt haben

Von einer Renaissance-Rivalität bis zum großen Aufeinandertreffen der Kritiker in NYC.

In der gesamten Kunstgeschichte hat das Streben nach Erinnerung und Dominanz zu intensiven Rivalitäten geführt. Einige davon haben zu kreativen Überlegenheiten inspiriert, andere waren geradezu destruktiv. Wie auch immer, sie haben die Anforderungen des Kunstschaffens unauslöschlich definiert. Im Folgenden listen wir fünf der bekanntesten auf.

Raphael vs. Michelangelo

Der junge Künstler Raphael trat 1504 im Italien der Renaissance mit einem komplizierten Stil auf, der von seinen Vorgängern Fra Bartolommeo, Leonardo und Michelangelo beeinflusst wurde. 1508, im Alter von 26 Jahren, wurde der junge Künstler von Papst Julius II. eingeladen, ein Fresko in der Privatbibliothek des Papstes im Vatikanischen Palast zu malen. Er schlug nicht nur Konkurrenten wie Michelangelo und Leonardo, um den Auftrag zu gewinnen, seine Arbeit erhielt auch begeisterte Kritiken.

Sogar der Renaissance-Chronist Vasari, der Michelangelo im Grunde als Gott und den Höhepunkt der Renaissance ansah, räumte ein, dass Raphael dem älteren Künstler Konkurrenz machte:

Raffael von Urbino war als Maler zu großem Ansehen aufgestiegen, und seine Freunde und Anhänger behaupteten, dass seine Werke strenger den Regeln der Kunst entsprachen als Michelangelo, und behaupteten, sie seien anmutig in der Farbgebung, von schöner Erfindung, bewundernswert im Ausdruck, und von charakteristischem Design, während die von Michelangelo, so wurde behauptet, keine dieser Qualitäten mit Ausnahme des Designs aufwiesen. Aus diesen Gründen wurde Raffael von denjenigen, die so meinten, Michelangelo in der Malerei im Allgemeinen völlig ebenbürtig, wenn nicht sogar überlegen, und im Besonderen in Bezug auf die Farbgebung entschieden überlegen.

Michelangelo hat den Wettbewerb nicht gut aufgenommen. Wie Robert S. Liebert in “Raphael, Michelangelo, Sebastiano: High Renaissance Rivalry” schreibt, “ ließ er Raffael die Hauptlast seines unerbittlichen Neids, seiner Verachtung und seines Zorns tragen.”

Aber Raphael konnte so gut wie möglich geben. Zum einen malte er die Gesichtszüge von Michelangelo auf die Figur des Heraklit in Die Schule von Athen.

Raphael malte einen schmollenden Michelangelo in eines seiner Fresken. Foto: Wikimedia Commons.

Seinen Rivalen in Form eines vorsokratischen Philosophen zu verewigen, der dafür bekannt ist, dass er sagte: “Du steigst nie zweimal in denselben Fluss” mag seltsam erscheinen, aber Ross King klärt die Bedeutung: “[I ]Es ist nicht diese Philosophie des universellen Wandels, die Raphael beeinflusst zu haben scheint, um ihm die Züge von Michelangelo zu verleihen, eher war es Heraklits legendäre saure Wut und bittere Verachtung für alle Rivalen

Ingres und Delacroix repräsentierten im Frankreich des 19. Jahrhunderts zwei verschiedene Schulen der Malerei. Fotos: Wikimedia Commons.

Ingres vs. Delacroix

Die Rivalität zwischen den beiden Titanen der französischen Malerei entfaltete sich inmitten eines Stilkonflikts im Frankreich des 19.

Bei der Fehde ging es nicht nur um den künstlerischen Stil, sondern um die moralischen Werte, die der Linie bzw. der Farbe zugeschrieben werden. “Ingres war der selbsternannte Beschützer nicht nur des Linearismus und der klassischen Tradition, sondern auch der Moral und Vernunft…,”, schreibt Walter F. Friedlaender, der Autor von David zu Delacroix. “[L]ine und lineare Abstraktion verkörperte etwas Moralisches, Gesetzliches und Universelles, und jeder Abstieg ins Koloristische und Irrationale war eine Ketzerei und eine moralische Verirrung, die energisch bekämpft werden muss.”

So wurde Delacroix, der berühmteste Kolorist, nicht nur als künstlerisch eigenständig, sondern als Bedrohung der Moral der französischen Gesellschaft angesehen. “Ich kann Delacroix nicht ansehen,” Ingres sagte einmal. “Er riecht nach Schwefel.”

Die Rivalität blieb auch nicht immer im Bereich der reinen Debatte. Julian Barnes beschreibt eine Begegnung zwischen den beiden Rivalen, die von einem befreundeten Bankier versehentlich zur selben Party eingeladen worden waren:

Nach langem finsteren Blicken konnte Ingres sich nicht länger zurückhalten. Mit einer Tasse Kaffee in der Hand sprach er seinen Rivalen an einem Kaminsims an. „Sir!“ erklärte er, „Zeichnen bedeutet Ehrlichkeit! Zeichnen bedeutet Ehre!“ Angesichts des kühlen Delacroix wurde Ingres übercholerisch, kippte seinen Kaffee in sein eigenes Hemd und seine Weste, griff dann nach seinem Hut und ging zur Tür, wo er sich umdrehte und wiederholte: „Ja, Sir! Es ist Ehre! Es ist Ehrlichkeit!‘“

Clement Greenberg [links] vs. Harold Rosenberg .

Greenberg vs. Rosenberg

Diese beiden Giganten der Kunstkritik und die von ihnen befürworteten Künstler haben die Bewegung des amerikanischen Abstrakten Expressionismus hervorgebracht und werden mit dem Aufstieg der USA zur künstlerischen Prominenz in Verbindung gebracht. Greenberg neigte zur Abstraktion von Jackson Pollock, sein Rivale Rosenberg bevorzugte das Gemälde von Willem de Kooning.

Greenberg vertrat strenge formalistische Ansichten und bestand darauf, dass die Abstraktion ein Schritt in der Weiterentwicklung der Malerei sei, eine Behauptung, die von Rosenberg zurückgewiesen wurde , sondern die Aufzeichnung eines Ereignisses. Anekdoten beschreiben, wie die beiden Männer auf Partys getrennt gehalten werden mussten – aber in der Druckschrift spielte sich ihr Kampf wirklich ab.

So verprügelte Greenberg in “Wie Art Writing seinen schlechten Namen” -Psychologie und – am schlimmsten – Pseudopoesie.“

Rosenberg klatschte mit dieser sarkastischen Passage aus “Action Painting: A Decade of Distortion” zurück:

„[D]er Wille, zeitgenössische Malerei und Skulptur in den Bereich der Kunst als Kunst zu verlagern, begünstigt den ‚Experten‘, der die Verwirrten beliefert. „Ich sehe darin nichts Wesentliches [Action Painting]“, schreibt Clement Greenberg, ein Tippgeber für aktuelle und zukünftige Meisterwerke, „von dem nicht nachgewiesen werden kann, dass es sich [vermutlich durch die Keimzellen in der Farbe] aus dem Kubismus entwickelt hat oder Impressionismus, so wie ich im Kubismus oder Impressionismus nichts Wesentliches sehe, dessen Entwicklung sich nicht auf Giotto und Masaccio und Giorgione und Tizian zurückführen ließe.“ Hilfe von keinem anderen erzeugenden Prinzip als dem »Gesetz der Entwicklung«, das der Kritiker gerade zur Hand hat.

Die Rivalität von Matisse und Picasso führte zu einigen der besten Arbeiten der Künstler. Foto: Ralph Gatti, George Stroud/Getty Images.

Matisse gegen Picasso

Obwohl die Rivalität zwischen Henri Matisse und Pablo Picasso im Großen und Ganzen respektvoll und herzlich blieb, spornten sich die beiden Künstler unermüdlich gegenseitig kreativ an. In seinem Buch Die Kunst der Rivalität, Kritiker Sebastian Smee beschreibt den Wettbewerb zwischen den beiden Großen als „ein Drama, wie es in der Geschichte der modernen Kunst seinesgleichen sucht“.

In seinen Zwanzigern trat der unermüdlich ehrgeizige Picasso mit dem zwölf Jahre älteren Matisse an und löste eine außergewöhnliche Wachstumsphase für beide Künstler aus. Laut Smee ist Matisses Kult Blauer Akt: Erinnerung an Biskra (1907) „zwang Picasso, radikal zu überdenken, was er tat“ und prägte den kreativen Impuls für das, was später werden sollte Les Demoiselles d’Avignon (1907), eines der größten Werke des Spaniers. Als Matisse Letzteres sah, lobte er den jüngeren Picasso als „einen elektrisierenden Innovator“ und räumte ein, dass er ein Maler sei, von dem man „möglicherweise lernen“ könne.

Es wird jedoch argumentiert, dass der Status dieser klassischen modernistischen Rivalität, die seither die Wissenschaft und das Ausstellungsmachen aufrechterhält, eine Art PR-Erfindung des Dichters und Avantgarde-Boosters Apollinaire war, der eine Pressemitteilung für . schrieb eine “Matisse/Picasso”-Ausstellung in der Galerie von Paul Guillaume’ bezeichnet sie als “die berühmtesten Vertreter der beiden großen gegensätzlichen Tendenzen in der großen zeitgenössischen Kunst.”

Die Freundschaft von Paul Gauguin und Vincent Van Gogh wurde sauer. Fotos: Wikimedia Commons.

Van Gogh vs. Gauguin

Die Rivalität zwischen Vincent van Gogh und Paul Gauguin begann als Freundschaft. Van Gogh lud Gauguin ein, sich ihm in Südfrankreich anzuschließen, wo er versuchte, in der Stadt Arles eine Künstlerkommune zu gründen. Für kurze Zeit lebten, arbeiteten und arbeiteten die Meister des Postimpressionismus fruchtbar nebeneinander im sogenannten Gelben Haus, was zu einer konkurrierenden, aber freundschaftlichen künstlerischen Rivalität führte, von der beide profitierten.

Allerdings ist die Anordnung sauer. Beide Männer waren schwierige Charaktere. Van Gogh wurde von geistiger Instabilität geplagt, während Gauguin den Ruf hatte, ein narzisstischer und unangenehmer Mensch zu sein. Als Gauguin seinen Freund in . darstellte Der Maler der SonnenblumenVan Gogh soll zurückgeschreckt sein und gesagt haben: "Ich bin es, aber ich bin verrückt geworden." Van Gogh half ihm nicht gerade in einem Café und schleuderte Gauguin ein Glas Absinth auf den Kopf.

Paul Gauguin, Der Maler der Sonnenblumen (Porträt von Vincent van Gogh) (1888). Bild mit freundlicher Genehmigung von Wikimedia Commons.

Der Legende nach schnitt sich der niederländische Maler 1888 nach einem Streit mit Gauguin das Ohr ab und schenkte das blutige Ohr einer fassungslosen Prostituierten in einem nahe gelegenen Bordell. Doch so hitzig wurde ihre Beziehung, dass kürzlich einige deutsche Kunsthistoriker in dem Buch eine alternative Theorie der Ohramputation aufgestellt haben In Van Goghs Ohr: Paul Gauguin und der Pakt des Schweigens. Einer der Historiker, Hans Kaufmann, erzählte die vermeintliche tatsächliche Szene dem Wächter:

In der Nähe des Bordells, etwa 300 Meter vom Gelben Haus entfernt, kam es zu einer letzten Begegnung zwischen ihnen: Vincent könnte ihn angegriffen haben, Gauguin wollte sich verteidigen und diesen ‘Madman’ loswerden. Er zog seine Waffe, machte eine Bewegung in Richtung Vincent und schnitt ihm dabei das linke Ohr ab.

Van-Gogh-Experten stehen im Allgemeinen zu der Geschichte der Selbstverstümmelung. Kaufmann weist auf Ungereimtheiten in den Geschichten der beiden Künstler hin und auf eine Passage in einem von Van Goghs Briefen an Theo, die auf ein brutales Potenzial innerhalb ihrer Rivalität hindeutet: “Gauguin ist zum Glück noch nicht mit Maschinengewehren bewaffnet und andere gefährliche Kriegswaffen.”


Ein neuer Himmel und eine neue Erde

Ein anderer bedeutender Künstler der Renaissance, Albrecht Dürer (1471-1528), leistete etwas mehr als ein Jahrzehnt nach Leonardo seinen Beitrag zur Geschichte der Kartenherstellung. Dürer war der bedeutendste Maler der deutschen Renaissance, aber seine größten künstlerischen Leistungen lagen wohl in den Innovationen, die er bei der Herstellung hochdetaillierter Holzschnitte und Kupferstiche einführte.

Dank der neumodischen mechanischen Druckmaschine, die Mitte des 14. Jahrhunderts in Deutschland erfunden worden war, konnten Dürers Drucke schneller zur Verbreitung an ein weit größeres Publikum massenproduziert werden, als es eines seiner Originalgemälde hätte sehen oder erhalten können. Drucke wie „Die vier Reiter der Apokalypse“ (1497/8) und „Melancholia“ (1514) wurden von Sammlern hoch geschätzt, beeinflussten Jahrhunderte späterer Künstler und erschienen als Poster in den Wohnheimzimmern vieler mürrischer Colleges Studenten.

“Melancholia.” Das Metropolitan Museum of Art.

Wie Leonardo vor ihm wurde Dürer gebeten, eine Reihe von Karten zu erstellen. Ebenso wie Leonardo brachte er eine innovative Perspektive in das Projekt ein. Die Methodik, die den in diesen Karten enthaltenen Daten zugrunde liegt, stammt aus der Arbeit von Wissenschaftlern und nicht wie bei Leonardos Karten für Borgia aus detaillierten Messungen, die der Künstler selbst vorgenommen hat. Trotzdem gelang es Dürer, diese Daten in Karten zu übersetzen, die praktische, aber für die damalige Zeit einzigartige Sichtweisen auf die Welt ermöglichten.

In seinen „Himmelskarten des Nord- und Südhimmels“ (1515) schuf Dürer die allerersten gedruckten Sternkarten Europas. Er arbeitete mit dem österreichischen Kartographen und kaiserlichen Astrologen Johannes Stabius (1450-1522) zusammen, um das damals bekannte Wissen über die Sternbilder aus griechischen, römischen, arabischen und anderen Quellen zusammenzuführen.

„Himmlische Karten des nördlichen und südlichen Himmels.” Norden. Privatsammlung.

„Himmlische Karten des nördlichen und südlichen Himmels.” Süden. Privatsammlung.

Der Künstler übersetzte diese Informationen in ein hocheffektives und äußerst beliebtes Paar detaillierter Holzschnitte, die wissenschaftliche Beobachtungen mit Bildern aus der Mythologie auf eine Weise kombinierten, die jahrhundertelang der Standard in westlichen Himmelskarten blieb.

Jede der Karten ist ungefähr 2 Fuß mal 1,5 Fuß groß, genau wie Leonardos „Plan of Imola“, was bedeutet, dass diese Drucke verwendet werden sollten und nicht einfach an einer Wand oder in einem Album angezeigt werden. Zu einer Zeit, als die Menschen ihre Reisen – und manchmal sogar ihr ganzes Leben – noch durch das Lesen der Sterne regelten, waren diese Karten der Sternbilder von unschätzbarem Wert für diejenigen, die in der Lage sein mussten, ihren genauen Standort zu bestimmen.

Wir können auch in seiner Himmelskarte über der südlichen Hemisphäre sehen, wie wenig die Europäer Anfang des 16. Jahrhunderts über den Nachthimmel in diesem Teil der Welt wussten. Dürers größte künstlerische und konzeptionelle Innovation bestand jedoch darin, eine wirklich zukunftsweisende Weltkarte zu erstellen – oder zumindest so viel von der Welt, wie ihm zu der Zeit bekannt war, als er sie schuf.


Die 10 berühmtesten Gemälde der Renaissance

Der Zeitraum vom 14. Jahrhundert bis zum 17. Jahrhundert wird in Europa im Volksmund Renaissance genannt und markiert eine Wiedergeburt oder Wiederbelebung der klassischen Gelehrsamkeit und Weisheit. Die Renaissance-Welle berührte viele Bereiche der europäischen Zivilisation, insbesondere die Bereiche Kunst, Religion, Literatur und Politik. Die Renaissance markierte ein gesteigertes Naturbewusstsein, eine Wiederbelebung des Lernens, die im Mittelalter allgegenwärtig war, aber im 15. und 16. Jahrhundert an Bedeutung gewann. In der Kunst der Renaissance ging es um die Darstellung einer individuellen Sichtweise eines Mannes. Die Zeit der Renaissance brachte einige ruhmreiche Werke vieler legendärer Künstler hervor, die noch heute verehrt werden.

Hier sind einige der wichtigsten und berühmtesten Gemälde der Renaissance.



Das Gemälde Mona Lisa von Leonardo Da Vinci ist eines der bekanntesten und anerkanntesten Gemälde der Geschichte. Es ist unbestreitbar das am meisten diskutierte Gemälde wegen des rätselhaften Lächelns. Es gab viele Diskussionen über das Lächeln von Mona Lisa, ob sie nun lächelt oder nicht. Das Hauptmerkmal dieses Gemäldes ist, dass Da Vinci ihre Augen so gemalt hat, dass selbst wenn Sie den Blickwinkel ändern, die Augen von Mona Lisa Ihnen immer zu folgen scheinen. Das Gemälde ist in Öl auf Holz gemalt und befindet sich derzeit im Besitz der französischen Regierung. Mona Lisa wird im Louvre, Paris ausgestellt und gehört der Öffentlichkeit, was bedeutet, dass sie weder gekauft noch verkauft werden kann.

Das Wort bedeutet auf Italienisch Frühling. Primavera ist ein Gemälde von Sandro Botticelli, dessen ursprünglicher Name Alessandro di Mariano Filipepi war. Das Gemälde ist auch als "Allegorie des Frühlings" bekannt. Es wird angenommen, dass Botticelli dieses Kunstwerk um 1482 geschaffen hat und als eines der Paradebeispiele der Renaissance-Kunst gilt. Viele haben versucht, das Gemälde zu interpretieren, und viele haben Erklärungen gefunden. Manche sagen, es sei eine mythische Allegorie, andere meinen, es gehe um den Wechsel der Jahreszeit in den Frühling. Dieses Gemälde ist wegen der Verwendung von Farbe und verschiedenen Erklärungen beliebt. Primavera gilt als das umstrittenste Gemälde der Welt.

1512 geschaffen, ist dies eines der ikonischen Gemälde von Michelangelo. Die Erschaffung Adams ist das Gemälde an der Decke der Sixtinischen Kapelle. Obwohl dies eines der am häufigsten replizierten Gemälde aller Zeiten ist, steht es nach Mona Lisa nur an zweiter Stelle. Das Gemälde ist zu einem Symbol der Menschheit geworden, da das Bild die Hand Gottes und Adams zeigt, die kurz vor der Berührung stehen.


Das letzte Abendmahl gilt als das beste Kunstwerk von Leonardo Da Vinci im Jahr 1498 und ist ein wichtiges Gemälde der Renaissance. Das Bild zeigt Jesus mit seinen Jüngern beim letzten Abendmahl. Das Gemälde zeichnet sich durch seinen geschickten Einsatz von Farbe, Licht und Anatomie aus. Das Gemälde ist auch Gegenstand vieler Diskussionen und Vermutungen. Viele haben vorgeschlagen, dass der Jünger, der rechts von Jesus sitzt, Maria Magdalena ist, und viele haben sich auch gefragt, welche Bedeutung oder Bedeutung die V-Form zwischen Jesus und der Person rechts hat. Allen Vermutungen zum Trotz ist das Letzte Abendmahl eines der Meisterwerke von Leonardo Da Vinci.

Es wurde 1511 gemalt und ist eines der vier Hauptfresken an den Wänden des Apostolischen Palastes im Vatikan. Die vier Fresken symbolisieren Philosophie, Poesie, Theologie und Recht. Das Gemälde symbolisiert Philosophie, da es angeblich eine Darstellung der schönsten Epoche der griechischen Philosophie ist, da Aristoteles und Platon im Zentrum des Gemäldes zu finden sind. Dieses Gemälde hat den klassischen Geist der Renaissance perfekt eingefangen.

Dieses Gemälde wurde im Jahr 1306 von Giotto di Bondone gemalt und zeigt den Moment des Verrats an Jesus durch Judas Iskariot, der Jesus mit den römischen Soldaten identifiziert, indem er ihn küsst. Die Scrovegni-Kapelle beherbergt den Freskenzyklus von Giotto di Bondone, und der Kuss des Judas ist das berühmteste Gemälde des Zyklus. Viele Kritiker halten Giotto für ein Genie und kein Künstler ist in der Lage, seine Arbeit zu übertreffen. Seine Meisterschaft zeigt sich in der Art und Weise, wie er den Ausdruck von Jesus und Judas an diesem Schauplatz des Verrats festhielt.

Dieses 1541 fertiggestellte Gemälde von Michelangelo Buonarroti befindet sich an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle in der Vatikanstadt. Das Gemälde handelt vom zweiten Kommen Jesu, dem Tag, an dem Gott die ganze Menschheit richten wird. Michelangelo hat Jesus in der Mitte gemalt, umgeben von Heiligen. Der obere Teil des Gemäldes zeigt die Auferstehung der Toten in den Himmel und der untere Teil zeigt den Abstieg der Sünder in die Hölle. Die Verwendung von Farben und eine hervorragende Pinselführung machen dieses Gemälde zu einem der am meisten verehrten Gemälde der Welt.

Raffaello Sanzio, im Volksmund als Raphael bekannt, malte 1512 die Sixtinische Madonna. Das Gemälde zeigt Mutter Maria mit dem Jesuskind in ihren Händen mit der Heiligen Barbara und dem Heiligen Sixtus auf beiden Seiten und zwei Putten unter ihr. Dies ist eines der berühmtesten Werke Raffaels und ein wichtiges Gemälde der Renaissance.

Auf dem Hochaltar in der Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari befindet sich dieses Gemälde von Tiziano Vecellio, auch bekannt als Tizian. Dieses Gemälde wurde von Tizian in seinen frühen Jahren gemalt und er hat in diesem Gemälde lebendige Farben verwendet. Himmelfahrt der Jungfrau ist ein Gemälde über den Aufstieg der Mutter Maria in den Himmel. Tizian hat Mutter Maria in einem roten Kleid gemalt, die in den Himmel erhoben wird, wo Gott auf Maria herabblickt, während die Apostel ihr vom Boden aus Abschied nehmen.

Die Liste fasst die 10 wichtigsten Gemälde der Renaissance zusammen, in der viele Künstler aufstiegen. Die Renaissance war ohne Zweifel eine kulturelle und künstlerische Wiederbelebung in der Geschichte und diese Gemälde sind zu einem Synonym für die Epoche der Renaissance geworden.
(Bildquelle: Wikipedia)


10. William Shakespeare

While the Italian Renaissance was dominated by the visual arts, the Renaissance in England took place mainly in literature and music. Shakespeare (1564-1616) was a key figure of the English Renaissance.

While he was working in the theatre, the Renaissance was peaking in England. Shakespeare was one of the first playwrights to introduce the new openness and humanism of the movement to the theatre.

One of the most influential writers in the English language, Shakespeare wrote some of the finest and most famous works ever written.


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